La peinture murale trouve ses racines dans l’instinct primordial des gens de décorer leur environnement et d’utiliser les surfaces murales comme un moyen d’exprimer des idées, des émotions et des croyances. Dans leurs manifestations universelles dans les graffitis et dans les peintures murales anciennes, telles que les peintures rupestres et les fresques protodynastiques égyptiennes, les symboles et les images représentatives se sont répandus librement et sans distinction sur les murs, les plafonds et les sols.
Mais, dans des tentatives plus disciplinées de symboliser l’importance et la fonction de bâtiments particuliers par leur décoration intérieure, les peintures murales ont été conçues pour le cadre restreint de surfaces spécifiques. Ils doivent donc être peints en relation étroite avec l’échelle, le style et l’ambiance de l’intérieur et en tenant compte de considérations telles que les sources lumineuses, le niveau des yeux, la ligne de mire des spectateurs et les moyens d’approche, et la relation émotionnelle entre les échelles, entre les spectateurs et les images peintes.
Décorations inspirées
Les premières décorations murales des tombes, des temples, des sanctuaires et des catacombes étaient généralement conçues en divisions horizontales et en axes verticaux. Ces motifs de grille étaient en harmonie avec le caractère austère des intérieurs et leur plan géométrique permettait à l’artiste de décrire clairement les divers épisodes et symboles d’un sujet narratif comme c’est toujours le cas aujourd’hui dans la galerie art Marrakech David Bloch.
Dans ces premières traditions de conception murale, en Chine, en Inde, au Mexique, en Égypte, en Crète et à Byzance, aucun dispositif illusoire n’a été utilisé pour nier la véritable planéité de la surface du mur; les images se découpent sur un sol plat, encadré de dadoes décoratifs (le décor ornant la partie inférieure d’un mur intérieur) de motifs stylisés à motifs répétés. Au début de la Renaissance, cependant, des innovateurs tels que Giotto, Masaccio et Fra Angelico plaçaient des personnages dans des cadres architecturaux et paysagers, peints comme des extensions des dimensions réelles de l’intérieur.
Le sommet des compétences techniques et de l’expression artistique a été atteint aux XVe et XVIe siècles avec les fresques de Piero della Francesca, Michelangelo et Raphaël. Les formes irrégulières des surfaces murales et les distorsions générées par les surfaces convexes ont été exploitées de manière inventive dans la conception.
Des tableaux uniques
Des portes et des fenêtres intrusives, par exemple, étaient habilement contournées par des rythmes généralisés ou étaient incorporées en tant que caractéristiques du tableau, et les figures étaient raccourcies de manière à sembler flotter ou s’élever dans des coupoles (voûtes arrondies formant des plafonds), des lunettes ( des espaces arrondis au-dessus des portes ou des fenêtres) et des absides (saillies en forme de dôme d’une église, généralement à l’extrémité est ou sur l’autel), dont les surfaces incurvées peuvent être peintes pour simuler un ciel céleste.
Les caractéristiques des murs structurels existants ont fourni les divisions entre les épisodes narratifs. Celles-ci étaient souvent complétées par des colonnes en trompe-l’œil, des pilastres, des arcades, des balustrades, des marches et d’autres formes architecturales qui servaient également à fusionner le décor peint avec le véritable intérieur.
Le tableau de chevalet, ou atelier, était une forme développée à la Renaissance avec l’établissement du peintre en tant qu’artiste individuel. Son ampleur et sa portabilité ont permis aux artistes européens d’élargir la gamme de thèmes, jusque-là limités à ceux convenant à la décoration murale.
Les formes de chevalet et de panneau incluent des natures mortes, des portraits, des paysages et des sujets de genre et permettent de représenter des effets éphémères de lumière et d’atmosphère que les formes plus intimes de l’art asiatique permettaient déjà aux peintres de parchemins, d’écrans et de fans d’exprimer.
Peintures de chevalet
Bien que les peintures de chevalets soient parfois commandées à des fins spéciales, elles sont généralement achetées en tant qu’objets d’art indépendants et utilisées comme éléments focaux décoratifs ou vues illusoires de fenêtres dans des maisons privées. Ils sont également perçus comme un investissement financier, pour le prestige social, pour l’évasion thérapeutique que leur sujet peut procurer ou pour le plaisir esthétique qu’ils procurent.
Les peintures sur panneaux, par définition stricte, sont de petites images conçues à des fins sacrées ou laïques ou faisant partie d’un objet fonctionnel. Bien que ces planches de bois soient parfois classées comme une forme d’art «décoratif» plutôt que «d’art», les meilleurs exemples justifient leur place dans les musées aux côtés de grands tableaux de chevalet.
Parmi les fonctions qu’ils remplissaient à l’origine, il y avait les prédelles (les façades des contremarches en autel); icônes de dévotion et de cérémonie; retables de diptyque et de triptyque portables et pliants; enseignes de magasin et de taverne; cas de momie; et des panneaux de décoration de voitures, d’instruments de musique et de cassoni. Beaucoup d’entre eux ont été peints par des maîtres reconnus, tels que Fra Angelico, Paolo Uccello et Antoine Watteau, ainsi que par des artistes folkloriques anonymes.
